10 Chitarre Signature Sotto i 1.000 euro

Epiphone B.B. King Lucille

Non potevamo iniziare da un’altra chitarra e da tutto ciò che rappresenta Lucille, compagna di una vita di Riley ‘Blues Boy’ King (1949-2015), il nostro amato B.B., universalmente riconosciuto, con totale merito, come il più celebre esponente del blues elettrico di tutti i tempi. Una caratteristica unica di B.B. King è che non ha mai suonato un accordo nella sua vita, ma la sua abilità nell’esprimersi attraverso la sua amata Lucille (di cui ha avuto diverse versioni) è straordinaria. B.B. King ha creato un nuovo linguaggio musicale che ha influenzato in modo significativo tutti i chitarristi che sono venuti dopo, non solo nel campo del blues, ma anche nel rock. Altri grandi, come Albert e Freddie King, Buddy Guy, Peter Green ed Eric Clapton hanno tratto ispirazione da lui.

Curiosità: B.B. King battezzò la sua chitarra “Lucille” in un piccolo paese chiamato Twist. Il nome derivava da una donna che aveva causato una rissa nel locale dove suonava quella sera. In quell’incendio in Arkansas nel 1949, King tornò coraggiosamente nel locale in fiamme per salvare la sua chitarra, imparando da quell’esperienza a non mettere mai più a rischio la sua vita per un oggetto. Da quel momento, promise fedeltà a un modello di chitarra, una Gibson ES-355 nera, semi-solida e senza tremolo né aperture a ‘f’. Tuttavia, il segreto del suono distintivo di King non stava tanto nella chitarra, ma nel suo modo unico di suonarla. Interessante notare che la prima “Lucille” potrebbe essere stata una Fender Telecaster. Conosci meglio B.B. King, ascolta l’album Live At The Regal (1965).

PRS SE Santana SY

Se consideriamo che la sfida più impegnativa nell’arte di suonare la chitarra risiede nel forgiare un suono unico e riconoscibile fin dalle prime note, possiamo affermare che Carlos Santana non solo ha brillantemente superato questa sfida, ma ha trasformato il suo suono in uno dei più innovativi ed influenti nella storia del rock. Paul Reed Smith racconta che la sua relazione con Santana gli è costata sangue, lacrime e sudore prima di essere riconosciuto come un eccellente liutaio e, successivamente, come un amico per la vita. La storia ebbe un inizio burrascoso: la prima PRS che Santana suonò, durò meno di una canzone durante un concerto e per poco non finì nella spazzatura.

Tuttavia, grazie alla dedizione del liutaio e alla fiducia risposta in quel prototipo, Santana decise di dargli una seconda opportunità, dopo aver provato altri due prototipi realizzati in tempo record. Quella opportunità concessa a Paul Reed Smith continua ad avere effetti positivi ancora oggi. Como última curiosidad decir que no fue hasta 1995 cuando PRS sacó al mercado su primera Santana Signature model, es decir, 15 años después de que comenzase la relación entre el luthier y el artista. Conosci Santana, ascolta l’album Abraxas (1970).

Epiphone Tony Iommi SG Special

La storia dell’heavy metal inizia con un episodio leggendario che coinvolge un ragazzo, la sua chitarra elettrica e un incidente avvenuto mentre lavorava in una fabbrica metallurgica. Tony Iommi, in seguito all’amputazione delle falangi superiori del dito medio e dell’anulare della mano destra in un incidente con una pressa, imbracciò la sua inseparabile SG come un mancino, ridusse la tensione delle corde e diede vita a un genere che ha plasmato e caratterizzato con i suoi riff epici per i Black Sabbath. Iommi, conosciuto come il Maestro e Lord dei Riff, si distingue come il chitarrista più influente nel mondo dell’heavy metal, una nuova e innovativa forma di intendere la musica popolare di fine XXº secolo, diventando il punto di riferimento fondamentale per tutte le generazioni successive di chitarristi. Insomma, per dirla in poche parole, l’heavy ha molti padri, ma un solo ‘padrino’.

La carriera di Tony Iommi può essere suddivisa in due fasi: i primi 15 anni, segnati dalla collaborazione con Ozzy Osbourne e poi Ronnie James Dio, spaziando da Paranoid a Mob Rules, e i successivi 35 anni, caratterizzati da alti e bassi, ritorni e nuove sfide, nonché da alcune tragedie. Il primo periodo fu fondamentale per fondare e affermare l’heavy metal come genere musicale popolare, mentre il secondo periodo vide Iommi dedicarsi a se stesso e al suo ruolo di mentore per nuovi chitarristi, continuando a sorprendere nonostante le ripetute dichiarazioni sulla fine dei Black Sabbath. Conosci i Black Sabbath, ascolta l’album Paranoid (1970).

PRS SE Silver Sky Overland Grey

John Mayer, cantautore e chitarrista nato negli Stati Uniti nel 1977, s’interessò della chitarra elettrica dopo aver visto la memorabile scena di Ritorno Al Futuro, in cui Michael J. Fox interpreta Johnny B. Goode di Chuck Berry. Molti appassionati di chitarre sanno che negli ultimi anni la collaborazione tra John Mayer e Fender non è stata delle migliori. Durante questo periodo, abbiamo visto Mayer utilizzare chitarre diverse dalla sua fedele Stratocaster. La causa principale di questo distacco sembra essere stato il desiderio di lunga data di Mayer di progettare e costruire una chitarra da zero, cosa che, secondo quanto affermato, Fender non è stata in grado di realizzare. Così, di fronte a un servizio non soddisfacente da parte di Fender, Mayer si è rivolto ad un’altra azienda, ed è qui che Paul Reed Smith diventa protagonista della storia.

La scelta di Mayer di lavorare con Paul Reed Smith anziché con il CEO di Fender si spiega facilmente: Paul Reed Smith non solo è il proprietario della sua azienda, ma è anche un liutaio attivo e accessibile, a differenza di Fender, che Mayer descrive come un grande conglomerato con una struttura complessa e senza un contatto chiaro a cui rivolgersi.

Questa connessione diretta tra una superstar della chitarra e un costruttore che mantiene un controllo personale sulla sua attività ha portato alla creazione della chitarra in questa lista: la PRS John Mayer Silver Sky. Conosci John Mayer, ascolta l’album Continuum (2006).

Epiphone Nancy Wilson Fanatic Fireburst

Siamo a metà degli anni ’70. Oltre a Janis Joplin, Suzy Quatro, e forse Stevie Nicks e Christine McVie dei Fleetwood Mac, sono poche le donne che si possono ricordare per il loro contributo significativo al rock in quel periodo. Conosciute come “le Led Zeppelin al femminile”, le sorelle Ann Wilson, voce principale del gruppo rock Heart, e Nancy Wilson, chitarrista, hanno sapientemente unito ballate e brani ispirati al folk con potenti jam di hard rock. Un critico dell’epoca descrisse il loro stile come una combinazione di “forza e dolcezza femminile”.

Caratterizzata da un corpo in mogano con top impiallacciato in acero, la forma del corpo Nighthawk è stata introdotta per la prima volta nel 1993 ed è compatta e confortevole. La Epiphone Nancy Wilson Fanatic è dotata di humbucker ProBucker, tanto al ponte come al manico, selettore dei pickup a 5 posizioni per un’ampia gamma di opzioni tonali, controlli master tono e volume, manico in mogano con profilo a C arrotondato, tastiera in ebano e un’attraente finitura Fireburst Gloss. In tutta onestà: più la guardiamo e più ci piace! Scopri la band Heart delle sorelle Wilson, ascolta il loro album di debutto Dreamboat Annie (1976).

D’Angelico Premier Beford Bob Weir

È arrivato il momento di parlare dei ‘morti’, e in particolare di uno che è ancora molto vivo: Bob Weir, noto per essere il chitarrista “secondario” dei Grateful Dead. Mentre Jerry Garcia ha catturato la maggior parte dell’attenzione e la sua scomparsa nel 1995 lo ha consacrato come una leggenda, Bob Weir si è distinto per il suo fascino personale (apparentemente senza rivali nella band) e ha portato avanti l’eredità dei Grateful Dead negli ultimi trent’anni. Ha tenuto vive le loro canzoni collaborando con altri membri originali del gruppo e invitando artisti come John Mayer o Johnathan Wilson a partecipare a queste “celebrazioni liturgiche” musicali.

Inizialmente, si è fatto notare nel panorama musicale suonando una Guild Starfire IV, la stessa chitarra usata da Jerry Garcia negli anni ’60. Tuttavia, non passò molto tempo prima che trovasse nella Gibson ES-335 del 1965 il suono distintivo che avrebbe definito il suo stile come chitarrista ritmico, contribuendo significativamente al sound dei Grateful Dead nei loro anni d’oro dalla fine degli anni ’60 all’inizio dei ’70. Anni più tardi, collaborò con la compagnia giapponese Ibanez per sviluppare un modello signature, che si concretizzò nel modello 2681, simile nell’aspetto a una Gibson SG, come quella che utilizzò a metà degli anni ’70. Attualmente, è il marchio D’Angelico che offre un (bel) modello che porta la sua firma.

L’album American Beauty (1970) dei Grateful Dead è un ottimo esempio per conoscere di più il loro sound.

EVH Stripe Red

A Eddie Van Halen,fin da piccolo, gli andarono stretti tutti i grandi della musica. La sua generazione si svezzò con il blues prima ancora di conoscere a fondo il Rock ‘n’ Roll o il swing e quando gli toccò prendere il testimone, aveva già rivoltato come un calzino tutto ciò che c’era stato prima.

Nelle sue prime fasi di carriera, Eddie Van Halen non aveva la possibilità economica di acquistare accessori come pedali wah-wah o fuzz. Di conseguenza, fu costretto a fare affidamento sul suo ingegno e creatività per ottenere dalla sua chitarra la più ampia gamma di effetti e suoni possibili. Sviluppò così una tecnica che gli consentiva di realizzare quasi tutto ciò che desiderava, facendo leva unicamente sulle abilità delle sue mani.

Prima di lanciare la sua linea di chitarre EVH Signature in collaborazione con Fender, Eddie Van Halen ha collaborato con vari marchi di prestigio, tra cui Charvel, Kramer, Peavey e Ernie Ball/Music Man. Tuttavia, nella percezione popolare, l’immagine di Van Halen rimane indissolubilmente legata alla sua ‘Frankenstrat’, una chitarra creata nel tentativo di combinare il suono classico di una Gibson con le caratteristiche fisiche di una Fender Stratocaster. Questo strumento fu assemblato personalmente da Van Halen, utilizzando un corpo Boogie Bodies, un manico Charvel e un singolo pick-up humbucker Gibson PAF d’epoca. Ci troviamo di fronte a uno dei chitarristi che più unanimemente è considerato essere un virtuoso dall’intera comunità di chitarristi. Consigliamo di ascoltare il primo album della band: Van Halen (1978)

Ibanez JEMJR-WH

Ci troviamo davanti a uno dei chitarristi che più unanimemente è considerato essere un virtuoso dall’intera comunità. Steve Vai, originario di New York, ha dedicato innumerevoli ore allo studio e all’apprendimento della chitarra. Un fatto interessante è che uno dei suoi primi maestri di chitarra, all’età di circa 12 anni, fu nientemeno che Joe Satriani, un nome che molti riconosceranno. Successivamente, decise di iscriversi alla prestigiosa Berklee College of Music di Boston, arricchendo il suo profilo con un’istruzione di alto livello e di grande prestigio.

Steve Vai è un artista il cui approccio alla musica ha radici profondamente spirituali. La sua arte nasce da un luogo interiore dove la sua ombra assume la forma di un simbolo ormai iconico nel mondo della chitarra: la Ibanez Jem. Questa leggendaria sei corde, sviluppata in collaborazione con la nota azienda giapponese, rappresenta non solo un trionfo tecnico ma anche l’essenza dello stile e della filosofia musicale di Vai.

A metà degli anni ‘80, Steve Vai e Ibanez unirono le loro forze per creare questo strumento, che da allora è diventato un punto di riferimento per chitarristi in tutto il mondo, simboleggiando un’innovazione continua e una ricerca incessante della perfezione sonora. La Ibanez Jem, con le sue caratteristiche distintive e il design rivoluzionario, non è solo uno strumento, ma una vera e propria estensione dell’identità artistica di Vai, un ponte tra la fisicità della musica e la spiritualità dell’arte di suonare la chitarra. L’album Passion And Warfare (1990), è il chiaro riferimento per chi volesse scoprire -nel caso in cui non l’abbia fatto- lo stile di Steve Vai.

Martin Guitars DX Johnny Cash

“Salve, sono Johnny Cash“. Con questa semplice frase, Johnny Cash ha sempre saputo catturare immediatamente l’attenzione del suo pubblico, rassicurandolo di essere in presenza di una vera leggenda della musica. Queste parole fungono da preludio, introducendo l’ascoltatore nell’universo narrativo di uno dei più grandi cantastorie della musica popolare del XX secolo. Benché vi fossero altri artisti con voci tecnicamente superiori o espressivamente più ricche, nessuno ha saputo impiegare la propria voce con la stessa maestria di Johnny Cash.

La sua capacità unica di trasmettere emozioni profonde e raccontare storie coinvolgenti attraverso le sue canzoni lo ha reso un’icona indimenticabile. La sua voce, con le sue sfumature profonde e la sua presenza scenica inconfondibile, ha avuto il potere di trasformare semplici melodie in narrazioni epiche, creando un legame indissolubile con il suo pubblico. Cash non era solo un cantante, ma un narratore di storie, un poeta del quotidiano, un artista che con la sua musica ha saputo esprimere la complessità dell’anima umana, trasmettendo esperienze di vita, sogni, speranze e dolori attraverso le sue canzoni.

All’inizio degli anni ’70, Martin Guitar fu incaricata di progettare una D-35 laccata completamente nera per la star del country Johnny Cash. Sebbene Martin non avesse mai preso in considerazione una richiesta del genere, fu realizzata una D-35 completamente nera per il “Man in Black”. Cash continuò a suonare la sua D-35 personalizzata sul palco per i successivi 20 anni. Nel 2006, Martin ha pubblicato un’edizione commemorativa della D-35 Johnny Cash. La nuova D-35 Johnny Cash, nata nel 2019, è un omaggio alla storia tra Cash e la Martin Guitars ed è stata progettata per essere una chitarra accessibile e suonabile per chiunque voglia onorare l’eredità del leggendario musicista. L’album di Johnny Cash imprescindibile da ascoltare: At Folsom Prison (1968).