Jimi Hendrix: biografia, sound e strumentazione per suonare come lui

Jimi Hendrix è senza dubbio il chitarrista più influente e innovativo che il mondo del rock abbia mai visto. Come nessun altro, è riuscito ad abbattere i confini sonori e stilistici e a portare la chitarra a un livello completamente nuovo con la sua espressività. Il periodo creativo di Jimi è stato breve, ma la sua influenza continua ancora oggi ad affascinare in tutti i generi. Vogliamo quindi dedicare un workshop a questa icona della chitarra elettrica.

Indice

1. La biografia di Jimi Hendrix
2. La strumentazione di Jimi Hendrix
3. Lo stile di Jimi Hendrix
4. Foxy Lady (1967)
5. Manic Depression (1967)
6. Little Wing (1967) – Lezione completa
7. Voodoo Child (Slight Return) (1968)
8. Freedom (1970)
9. Hey Joe – Assolo (1966)
10. Ottenere il suono di Hendrix

La biografia di Jimi Hendrix

Jimi Hendrix nasce a Seattle il 27 novembre 1942 con il nome di Johnny Allen Hendrix, poi ribattezzato James Marshall dal padre James “Al” Hendrix. Interessato alla musica fin da piccolo, fu fortemente influenzato dai grandi del rock e del blues come B.B. King, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Robert Johnson, oltre che da Buddy Holly ed Elvis Presley. Nel 1958 il padre gli comprò una chitarra acustica di seconda mano, con la quale Jimi imparò a suonare da solo. Poco dopo, suona nelle sue prime band, The Velvetones e i Rocking Kings e riceve la sua prima chitarra elettrica, una Supro Ozark 1560S.

Nel 1961, Hendrix si arruola nell’esercito americano e lavora come chitarrista session man con lo pseudonimo di Jimmy James. Dopo aver suonato con diversi artisti famosi come Ike e Tina Turner, Sam Cooke, gli Isley Brothers e Little Richard fino alla fine del 1965, formò finalmente la sua band, Jimmy James and the Blue Flames.

Durante un concerto al Cafe Wha?, viene scoperto da Chas Chandler, bassista degli Animals, che a sua volta riceve una soffiata da Linda Keith. Chandler portò Hendrix a Londra, dove si unì al batterista Mitch Mitchell e al bassista Noel Redding. La Jimi Hendrix Experience nacque nel 1966 e il singolo di debutto Hey Joe e l’album successivo Are You Experienced furono un successo clamoroso. Nonostante questo impressionante debutto nel Regno Unito, Jimi tornò in America nel 1967 e la Experience divenne uno dei gruppi più richiesti dal vivo praticamente da un giorno all’altro. Nel 1967 uscì l’album Axis: Bold As Love, seguito da un lungo tour.

Il lavoro sull’album successivo si rivelò lungo a causa delle continue interruzioni del tour e del lavoro meticoloso di Jimi alla console dello studio. Questo portò a conflitti con Chas Chandler, che alla fine gettò la spugna nel 1968. Nello stesso anno uscì Electric Ladyland, considerato il disco più impegnativo di Hendrix sia dal punto di vista musicale che della tecnologia utilizzata in studio. Tuttavia, le tensioni all’interno del trio si intensificarono e la formazione Experience si sciolse nel 1969. La leggendaria esibizione di Woodstock del 1969 fu eseguita con una band chiamata Gypsy Sun & Rainbows, con la versione di Jimi di Star Spangled Banner che ebbe un impatto indelebile. Insieme al bassista Billy Cox e al batterista Buddy Miles, Hendrix fondò nello stesso anno la Band of Gypsys e pubblicò l’album omonimo nel 1970.

Nel corso del 1970, Jimi volle rianimare la Jimi Hendrix Experience insieme a Mitch Mitchell e Billy Cox. Hendrix registrò diversi brani con formazioni differenti, che furono poi inclusi in album pubblicati postumi come First Rays Of The New Rising Sun, The Cry of Love, Rainbow Bridge e War Heroes. Tragicamente, Jimi Hendrix morì a Londra il 18 settembre 1970.

La strumentazione di Jimi Hendrix

Jimi Hendrix è associato principalmente alla Fender Stratocaster, anche se occasionalmente ha utilizzato chitarre Jazzmaster, Duo Sonic, Telecaster o Gibson Flying V, Les Paul e SG. Sebbene Hendrix fosse mancino, utilizzava Stratocaster destrorse, con il risultato che il braccio del tremolo pendeva in alto e il pickup al ponte allineato in diagonale era praticamente invertito.

I suoi amplificatori erano inizialmente Fender Twin o Burns, ma dal 1966 passò ai Marshall JTM45 e alle testate Super Lead da 100W. Hendrix è noto anche per il suo grande interesse per i pedali degli effetti, per cui provò praticamente tutto ciò che era disponibile all’epoca. Tra questi, il Dallas Arbiter Fuzz Face, il Maestro Fuzz Tone, il Roger Mayer Octavia Octavfuzz, l’Electro Harmonix Big Muff e lo Shin-Ei Uni Vibe. Ispirato dal modo di suonare di Clapton nella canzone dei Cream Tales of Brave Ulysses, Hendrix si procurò anche un Vox Cry Baby Wah, che si può trovare in innumerevoli sue canzoni.

Lo stile di Jimi Hendrix

È difficile riassumere il playing di Jimi in poche parole. Tuttavia, ci sono alcuni marchi di fabbrica che vengono spesso copiati e che rappresentano dei punti di forza unici. Da un lato, l’influenza jazz di Jimi è evidente nell’alta percentuale di passaggi cromatici nei suoi riff, che vanno ben oltre la scala blues. Una grande specialità sono i suoi riempimenti di accordi orchestrali, che gli permettono di accompagnarsi in modo molto sofisticato. Ci sono spesso quarte e none, come emerge chiaramente nella canzone Little Wing, ad esempio.

Hendrix ha molto da offrire anche dal punto di vista armonico e, oltre al cromatismo di cui sopra, spicca l’uso dell’accordo di dominante 7#9, ormai noto a tutti i chitarristi come “accordo di Hendrix”. I suoi assoli sono fortemente influenzati dai grandi del blues ma, oltre alla scala blues o pentatonica, sono presenti anche seste, none e arpeggi. In termini di fraseggio, Jimi è un personaggio a sé stante, il che lo rende difficile da copiare. Il suo modo di suonare furioso include il feedback, l’uso eccessivo del tremolo e l’uso di effetti speciali, oltre a molti slide e a un vibrato inconfondibile.

Alcuni dei suoi marchi di fabbrica sono gli “slide into nowhere”, in cui scivola sulla tastiera oltre il 22° tasto, e una speciale tecnica di double bending. Questa tecnica consiste nel tirare su una corda e contemporaneamente tirare giù la corda successiva con lo stesso dito. Quando si tira su si colpisce solo la corda più alta, mentre quando si rilascia si colpisce solo la più bassa delle due. Questo stile di esecuzione si può sentire molto bene nell’assolo introduttivo di Freedom, qui sotto. Anche se Jimi spesso abbassa la sua chitarra di un semitono, tutti gli esempi sonori si possono ascoltare in accordatura standard in Mi!

Foxy Lady (1967)

Questa canzone proviene dall’album di debutto Are You Experienced del 1967. Qui si può sentire molto bene l’uso che Jimi fa dell’accordo 7#9, ma in questo caso non come accordo completamente suonato. Il Fa# è al basso e la settima minore e il #9 sono suonati sulle corde del Si e del Mi. Per Foxy Lady, Jimi ha usato un Fuzz Face in aggiunta al suo Marshall, che rende il suono molto aggressivo e quasi distrutto nella gamma dei bassi.

Manic Depression (1967)

Presente ancora su Are You Experienced, Manic Depression offre ancora una volta un buon esempio di linee cromatiche ed elementi di arpeggio. Questa volta abbinati a un bel groove terzinato!

Little Wing (1967) – Lezione completa

Una breve considerazione da parte nostra. Poiché esistono innumerevoli versioni della canzone in cui Jimi varia i suoi lick a seconda del suo stato d’animo, abbiamo deciso di riassumere le diverse versioni del brano in un unico concentrato. In questo modo, il pezzo acquisisce le caratteristiche necessarie per poter applicare universalmente i vari accorgimenti stilistici ad altre progressioni di accordi. Ma non preoccupatevi: il tutto rimane al 100% Hendrix e al 100% Little Wing!

Lo spartito in formato PDF:

Vi forniamo per prima cosa le diteggiature degli accordi utilizzati nel brano. Poiché Jimi ha decorato gli accordi con numerose note aggiuntive, le abbiamo colorate di blu per maggiore chiarezza. Questo vi dà l’opportunità di imparare gli accordi di base e di avere una prima panoramica delle note utilizzate.

La cosa migliore da fare è stampare le diteggiature. Nella pagina successiva vi spiegheremo in dettaglio come suonare al meglio il pezzo.

Le diteggiature in formato PDF:

La tonalità di base della canzone è Mim (Sol). Di conseguenza, Jimi inizia con un accordo di MIm7. Ma attenzione: in realtà non utilizza la diteggiatura completa del barré, ma solo un estratto di essa. In questo modo le cose si semplificano.

Dopo aver suonato il Mi basso, mette in sordina tutte le corde con la mano destra e con la sinistra le percuote (Scratch). Segue poi una sorta di linea melodica composta da note della pentatonica di Mi minore (le note La, Si, Re sul “3” della prima battuta). Si raccomanda di mantenere l’anulare dopo aver suonato il Si (9° bd. corda di Re). Anche l’indice rimane al suo posto dopo aver suonato il Re (7° bd della corda di Sol). Il vantaggio di questa operazione risiede nel fatto che entrambe le dita rimangono in posizione, e quindi avete già sotto mano la “diteggiatura” necessaria in seguito. Un breve passaggio e si sta già suonando con il quarto dito il 9° tasto della corda di Sol: la nota Mi.

Assicuratevi però che la nota Si suonata con il terzo dito possa continuare a suonare senza impedimenti. Ora togliete di nuovo il quarto dito dalla corda e suonate le note seguenti come richiesto dalla partitura. La battuta termina con un colpo sulla corda a vuoto del Mi. All’inizio della seconda battuta si esegue una diteggiatura standard di Sol maggiore con il barrè.

Dopo aver suonato le prime due note, la cosa si fa interessante: per poter suonare il trillo richiesto sul “2” all’interno della diteggiatura del barrè, bisogna prima togliere il quarto dito dal 5° tasto della corda di Re. Quindi plettrare la corda Sol (quarto tasto), fare un hammer on con il quarto dito sul 5° tasto della corda Sol e poi un pull off.

Ora con il quarto dito raggiungete di nuovo il Sol. Un altro lavoro attende il mignolo, questa volta sulla corda del Mi cantino. Ecco come procedere. Per prima cosa diteggiate il La (5° tasto della corda di Mi) con il dito numero 4. Anche i pull-off successivi vengono eseguiti con il mignolo. Solo se tutte le note avranno la possibilità di suonare liberamente si creerà un suono omogeneo.

Proseguiamo. Anche la terza battuta del brano richiede una diteggiatura con barré: Lam (7). Anche in questo caso, il quarto dito gioca un ruolo fondamentale per la riuscita del tutto. Dopo le prime due note in ottavi, si “stacca” il dito dalla diteggiatura e lo si usa per “suonare” il trillo di terzine di sedicesimi sul “2”. Quindi il mignolo deve essere riportato il più rapidamente possibile nella sua posizione di partenza, il 7° tasto della corda Re. A questo punto sciogliete completamente la diteggiatura del barré e suonate il resto come una normale linea di note singole. Le seguenti note suggerite vengono quindi diteggiate ed eseguite come descritto per l’accordo di Sol maggiore.

La quarta battuta viene aperta suonando la corda a vuota del Mi. Quindi si posiziona l’indice in stile barré sulle corde Re, Sol e Si (7° tasto), si afferra il Sol all’8° tasto della corda Si con il secondo dito e si esegue il trillo con il quarto dito. Le note successive sulle corde di Sol e Re (7° tasto ciascuna) sono già diteggiate con il barrè. Rilasciate ora il barré e passate al 7° tasto della corda La con l’indice (per prendere la nota Mi).

Il resto della battuta viene eseguito di nuovo in note singole. Tuttavia, è necessario assicurarsi di premere contemporaneamente le corde La e Re, perché è proprio questo il passaggio richiesto sul “4” della battuta. Inoltre, per ottenere un suono omogeneo è molto importante che le note Sol e La (10° tasto della corda La, 7° tasto della corda Re) abbiano la possibilità di suonare contemporaneamente.

La battuta 5 richiede di nuovo l’utilizzo del barré. Per prima cosa, mettete l’indice su tutte le corde al 7° tasto e suonate la tonica del Sim7 sulla corda di Mi. Il trillo sul “2” viene poi eseguito con il mignolo. Il Re successivo è già stato coperto con il barrè. Quello che manca è il Si al 9° tasto della corda Re. Il modo migliore per suonarlo è con il terzo dito, come per un normale barré di Sib minore.

Ora arriviamo ai due double-stop sulle corde alte: dato che state ancora diteggiando un barré al 7° tasto, i due double-stop non dovrebbero essere un grosso problema. Rimane l’accordo di Sib maggiore sul “3” della battuta. Nella sesta battuta le cose si fanno di nuovo eccitanti. Dopo l’inizio senza stress con la corda di La a vuoto, si diteggiano contemporaneamente le corde Re e Sol al 5° tasto con l’indice, si suonano entrambe le corde e si esegue un hammer on sul 7° tasto della corda Re con il secondo dito ma lasciando comunque le due corde diteggiate. Suoniamo di nuovo entrambe le corde e eseguiamo un hammer on con il 4° dito sul 9° tasto della corda Re.

Poi il tutto procede al contrario. Abbassate nuovamente il 4° dito e suonate contemporaneamente le corde Re e Sol al 7° e 5° tasto. Ora togliete il 2° dito e tornate al punto di partenza: il piccolo barré al 5° tasto (corda Re e Sol). Afferrate il Do (3° tasto della corda di La) con l’indice e le note successive con l’anulare (o il mignolo) in stile barré. Ma attenzione: la doppia nota deve essere diteggiata con l’indice. Quindi bisogna cercare di passare da un barrè all’altro il più rapidamente possibile. L’hammer on successivo (6° tasto della corda Si) si esegue con il 2° dito.

I chitarristi classici a questo punto dovrebbero prendere una goccia di valeriana, perché la battuta 7 inizia con un espediente che non è molto diffuso nella musica classica: prendiamo una nota con il pollice! Ma a che scopo? Little Wing è un classico, ma non ha nulla a che fare con la musica classica nel vero senso della parola. Possiamo quindi procedere serenamente. Dopo aver terminato la battuta 6 nel modo appena descritto, prendete con il pollice il Sol al 3° tasto della corda Mi e suonate il ritmo annotato.

Quindi diteggiate le note Re e La (3° tasto della corda Si, 5° tasto della corda Mi) con il primo e il quarto dito, suonate le corde contemporaneamente e salite di due tasti fino al 5° tasto. Tornate quindi al 3° tasto, colpite di nuovo entrambe le corde, diteggiate il 3° tasto della corda di Mi con il pollice, suonate le corde di Si e di Mi, scivolate fino al 1° tasto e diteggiate di nuovo il Fa basso (1° tasto/corda di Mi) con il pollice.

Ora ci siamo quasi. La battuta 8 inizia con degli standard: un accordo di Do maggiore suonato in posizione aperta. Spostando la diteggiatura al 3° tasto, otteniamo il Re11 richiesto nella seconda metà della battuta. Sul “2” della seconda battuta, Jimi mette ancora una volta in gioco il suo talento con un fill. Il lick termina con un power chord di Re5.Hendrix conclude l’introduzione del brano con un power chord in Mi5.

Suggerimento

Ora sapete come suonare l’intero brano. Per poter applicare i cliché usati per decorare le proprie canzoni, è necessario considerare e imparare ogni lick come un blocco separato e sempre in connessione con il rispettivo tipo di accordo. Se poi un accordo corrispondente compare in una delle vostre canzoni, dovete semplicemente rovistare nel vostro bagaglio hendrixiano e decorarlo con lo schema corrispondente.

Voodoo Child (Slight Return) (1968)

La canzone Voodoo Child è un esempio dell’uso del wah da parte di Jimi e si trova nell’album Electric Ladyland. Anche Stevie Ray Vaughan ha reso omaggio a questa canzone con una cover nel suo album Couldn’t Stand the Weather.

Freedom (1970)

Purtroppo Jimi non visse abbastanza per vedere la pubblicazione di Freedom. La canzone si trova nell’album The Cry of Love, pubblicato postumo nel 1971. Qui, oltre al grande riff, sentiamo anche l’uso da parte di Jimi del già citato double bending.

Hey Joe – Assolo (1966)

Hey Joe fu un brano pubblicato come primo singolo nel 1966 insieme alla canzone Stone Free e fu incluso solo nella versione statunitense del suo album di debutto Are You Experienced. L’originale fu scritta molto probabilmente da William Roberts e fu una cover popolare anche prima della versione di Jimi. Hendrix esegue un assolo estremamente motivato e melodico utilizzando la scala del blues elettrico, sebbene si possano sentire anche note di nona e sesta. Tra l’altro, il suono di Jimi è quasi pulito, motivo per cui mi verrebbe da pensare all’utilizzo di un Marshall JTM45 o a un amplificatore Fender. Ciò è supportato anche dal fatto che Hendrix probabilmente è entrato in contatto con il Super Lead Plexi solo nell’autunno del 1966, ma la canzone è stata registrata prima.

Ottenere il suono di Hendrix

Il suono di Jimi è certamente caratterizzato dalla combinazione Stratocaster-Marshall Plexi. Tuttavia, se necessario, qualsiasi amplificatore con una distorsione britannica e una chitarra con single coil andranno bene, almeno nella posizione del manico. Per alcuni suoni avrete bisogno di un Fuzz Face, che naturalmente ha un suono piuttosto scuro e sa come domare molto bene gli alti affilati di una Plexi. Se disponete di un amplificatore che non sia troppo acuto, qualsiasi fuzz vecchia scuola sarà in grado di svolgere questo compito. Naturalmente, anche un wah è essenziale per certi suoni e un Uni-Vibe è bello da avere, ma non indispensabile. Anche un phaser standard può portarvi in territori simili. Qui potete vedere un suggerimento sonoro con un plugin Neural DSP Fortin e un Big Muff di Presonus Ampire.

Se volete saperne di più sullo stile esecutivo di Jimi Hendrix, potete dare un’occhiata qui:

Buon divertimento con Jimi Hendrix!

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